 | 生物と無生物のあいだ (講談社現代新書 1891) (2007/05/18) 福岡 伸一 商品詳細を見る |
読後、なんとも言えぬ爽快感がある。
大団円とまではいかないが、学術書なのに、良く出来たものがたりを読んだような感覚がするのだ。
理系の教授であるのに（というのは偏見だが）、実に豊かな色彩を持つ文章を書く。
分かりづらい理論的説明には、比喩が与えられ、またその比喩によって、自然により一層興味を抱かせることとなる。
優しい先生なのであろうか。まるで、語りかけるかのような文章で、落ち着いてページをめくることができる。
まず、生命はなにか、という問い。
そしてその答えの、自己複製を行うシステム、という根本的な概念が、本書の基盤となる。
そして、著者がポスドクであった時期から、「ものがたり」は始まる。
つまり、本書は、生命とは何か、を念頭に置きながら、生物学が遺伝子の発見を経て、どのような歩みを辿ってきたか、という学問的な話と、現教授が語る研究室事情（歩兵から大将になった人の戦勇記みたいな）話が織り交ぜられている。
そして学問的な話には、野口英世から始まり、学術的な側面よりも、人物に焦点をあてながら、非常に分かりやすく説明している。私は、中学生レベルの生物の知識と、少しだけ遺伝子に関する知識しか持っていないが、読んでいて苦痛を感じるほどの話題は発展しなかった。
また、シュレディンガーやトポロジーが登場しながら、現代科学や現代数学が、生物学においても、理論の手助けをしている、というのが非常に面白く、理系心をくすぐられるばかりであった。（授業では辟易だった波動方程式を勉強し直したくなった。）
また、研究者の歩みとして、ポスドクとして、日本からアメリカに渡り、有名な研究所に配属し、研究室の傭兵として、教授や技術士、研究所がどのように感じていたか、どのような場所であるか、教授になる意味や、教授の仕事など、様々な話が盛り込まれる。
これは、大学にて研究をしている人や、研究を志す人からしたら、非常に面白い、興味深い話だと思う。
そして、あるテーマの研究に取り組み、他の研究チームに負けないように、焦り、追い込まれ、成果を挙げては喜び、さらに不安を増す、研究の様子を眺めることができる。
そして、二つの話は、最後に見事に、ひとつのテーマに集約されることになる。
それは、「生命はなにか？」という問い。
生物学界は、未だに「自己複製を行うシステム」を刷新する解答を用意することができないでいる。
生物と無生物の間に、ウィルスの存在がある。ウィルスは、無機的で、条件が揃えば「結晶化」すらできる。ウィルスは、細胞に寄生し、複製を行う。
その意味では、ウィルスは、自己複製を行うシステム＝生物なのである。
しかし、著者は、ウィルスは、生物とは認めない。
また、技術の発展により、DNA操作によって、部分的に遺伝情報の破壊（ノックアウト）されたマウスを作り上げることが可能になり、このノックアウト・マウスによる実験に関する話が冒頭で触れられる。
莫大な研究費を費やし、”欠陥商品”であるノックアウト・マウスを作り出し、その破壊された部品と、マウスの挙動の関係を調べようとした。しかし、ノックアウト･マウスは、普通のマウスと、観測し得る差異は発見されなかった。
世界中の研究室で、多くの研究者が困惑したことだろう。
生物は、部品を組み立てただけの「プラモデル」ではないことに、研究者は気付いていなかったのだ。
この無生物と生物の挿話が、「生命とは何か？」という疑問と、「動的平衡」論の中で、はっきりとその輪郭を見せることになる。
ウィルスを生物とは認めないその意味。ノックアウト･マウスに異常が発生しなかった理由。
生物学の発展と、著者がポスドクとして研究を重ねる日々の中に、曖昧としながらも、「まだ、生命を定義する論理が揃っていない」ことが分かる。
そして、一つの見落としが、「時間」と「不可逆性」である、と説く。
そして、その考えは、エピローグにて、二つのトラウマティックな体験を思い起こさせる。
子供の頃に感じた、生命への畏敬の想い。
生物学と研究者の二つの側面からの話題の展開から、「生命とは何か？」への収束。
そこで、初めて理解する、プロローグでの「ノックアウト・マウス」の話の意義。
そして、エピローグにて、原初体験への回顧。
この展開の素晴らしさ、作品のような完成度の高さ。
読んでいて非常に面白く、研究をする焦りを感じたり、生命の畏怖を感じたり、技術や発想の巧みさを驚いたり、多面性をもつそれぞれのエピソードに関心しっぱなしでした。
読んだ後、思わず嘆息してしまいました。
読んでて、本当に、生物ってスゴイなぁ、と思うばかし。
ただ、なんか生物に対する不信感も少し持ってしまったかも。自分の将来の子供とか考えると、少し不安になるよなぁ。
量子力学の話が出て、シュレディンガーが、「なぜ原子はこんなに小さいのか？」っていう疑問を提示したのが、非常に面白かった。
原子には量子的な振る舞いがあるから、生物の大きさが小さすぎると、その原子の挙動に左右されすぎる、と。
生物が、量子的な原子の振る舞いから解放されるために、原子より遥かに大きくないといけなかった。
つまり、相対的に原子は非常に小さい、という訳ですって。
またパスツールの"Chance favors the prepared minds."チャンスは準備された心に降り立つ。って言葉が引用されるエピソードがあるのだが、これって本当にその通りだと思った。
まず、本書自体がそう。
ぼくからしたら、本書に読めるギリギリの生物知識があったから、面白く読めたけど、生物が嫌いだったり、全く分からなかったら、多分、この本を読んでも、それ程面白いとは感じないと思う。もしかしたら苦痛に感じるかもしれない。そして、我慢して読んだとしても、ぼくと同じ様に、感動的に読み終われる保証はもちろんない。
逆に、生物を専門にしている人が読んだら、生物学的記述のあらゆるところを理解し、自分の知識を確認しながら、知らない知識を得て、楽しみながら読み込め、読了後の感動もひとしおかも知れない。
人によって、訪れる感動はそれぞれで、一つの出来事でも、何を感じるかは、それぞれなのだ。
シュレディンガーは、「生物とは何か？」を思い、「原子はなぜ小さいのか？」という疑問を発したのも、多分、当時、シュレディンガー以外は、その疑問に到達できなかったのだと思う。到達できたとしても、疑問の意義というのは、全く別物であっただろう。
そういう意味でも、本書は、読む人によって、その様相を変え、安部公房の言う「無限（に近い）情報」を持った、優れた作品であるのかもしれない。
本書を貸してくれた、エガPに感謝！感激！！
それにしても、最近の新書は、目に付くタイトルを良く付けるものだ。
なんか、広告的すぎて、文章の雰囲気を損ねているような気もする。これも「さおだけ屋は〜」以降の傾向なんかなぁ。
上の画像、内田樹のコメントって…本当に読んでんのか？
ここのところ、本を読んだり、ぼーっとしたり、教職の実習に行っていたりした。
そろそろ、働くことを意識するということもあり、まだまだ就職活動をしたいなぁ、ということもあり、教育系の仕事も悪くはないなぁ、ということもあり、日々の生活も、考えることも、少なくない感覚がある。
忙しい方が、暇を見つけて、考えがまとまったりもする。
暇な時期は、家に引きこもっていたり、一人でぐちぐちと腐っていくのを、これまで幾度となく経験してきた。
一人で過ごす生活も悪くはないが、やはり、人との係わりを保つ生活に面白みを感じ始めると、一人の生活には戻りたくはないなぁ、と感じる。
結局、住めば都、現状維持というのが、生活の基盤であり、安心なのだと思う。
先の見えない社会、というものは、ミクロな個人としては、ほとんど影響をしないはずなのに、どうしても不安が高まる。
目線が、家族などの集団から、個人・パーソナルな視線に移ってしまうのは、仕方のないことなのか。
民主主義の根本に、個人の幸福というものがあれば、民主主義が発展し、その集団が豊かになれば、次第に、個人主義が広まる、ということだろう。
多くの人は、一人の生活を強要される時期を経ていると思う。
その時期に、一人の生活に慣れてしまえば、今の日本の豊かさの中では、無理して他人との折衝を引き受けずとも、一人で”都”の生活ができるのだ。(*)
別に、文明批判をするわけではないが、何とも違和感を感じざるを得ない。
まぁ、目に見えることというものは、凡そ表層的なものに過ぎない。
問題があるかどうかも、民主主義においては、個人的な判断に過ぎないのかも知れない。
考えもぼんやりと纏まらず、はっきりと白黒付けることのできない雨の日の午後は、ゆっくりと過ぎていきます。
ケジメをつけ、自分を奮い立てることもしないが、だらりと、時間を過ごすことに、少し快感をおぼえるわけです。
*
産業の発展の指標の一つにはバースコントロールというか、平たく言えば、「エロ」が重要な部分を占めていると思う。
ある統計では、約2割の成人男性が、性行為よりも自慰の方が快感が大きいと感じている、という結果を出している。
この結果は、日本がいかに豊かであるかを示しているのではないかと思う。
性具の種類も豊富で、性的刺激を提供する産業は、経済的余裕がなければ、潤わないと思う。
http://promotion.yahoo.co.jp/charger/200809/contents03/vol23_06.php
そろそろ、働くことを意識するということもあり、まだまだ就職活動をしたいなぁ、ということもあり、教育系の仕事も悪くはないなぁ、ということもあり、日々の生活も、考えることも、少なくない感覚がある。
忙しい方が、暇を見つけて、考えがまとまったりもする。
暇な時期は、家に引きこもっていたり、一人でぐちぐちと腐っていくのを、これまで幾度となく経験してきた。
一人で過ごす生活も悪くはないが、やはり、人との係わりを保つ生活に面白みを感じ始めると、一人の生活には戻りたくはないなぁ、と感じる。
結局、住めば都、現状維持というのが、生活の基盤であり、安心なのだと思う。
先の見えない社会、というものは、ミクロな個人としては、ほとんど影響をしないはずなのに、どうしても不安が高まる。
目線が、家族などの集団から、個人・パーソナルな視線に移ってしまうのは、仕方のないことなのか。
民主主義の根本に、個人の幸福というものがあれば、民主主義が発展し、その集団が豊かになれば、次第に、個人主義が広まる、ということだろう。
多くの人は、一人の生活を強要される時期を経ていると思う。
その時期に、一人の生活に慣れてしまえば、今の日本の豊かさの中では、無理して他人との折衝を引き受けずとも、一人で”都”の生活ができるのだ。(*)
別に、文明批判をするわけではないが、何とも違和感を感じざるを得ない。
まぁ、目に見えることというものは、凡そ表層的なものに過ぎない。
問題があるかどうかも、民主主義においては、個人的な判断に過ぎないのかも知れない。
考えもぼんやりと纏まらず、はっきりと白黒付けることのできない雨の日の午後は、ゆっくりと過ぎていきます。
ケジメをつけ、自分を奮い立てることもしないが、だらりと、時間を過ごすことに、少し快感をおぼえるわけです。
*
産業の発展の指標の一つにはバースコントロールというか、平たく言えば、「エロ」が重要な部分を占めていると思う。
ある統計では、約2割の成人男性が、性行為よりも自慰の方が快感が大きいと感じている、という結果を出している。
この結果は、日本がいかに豊かであるかを示しているのではないかと思う。
性具の種類も豊富で、性的刺激を提供する産業は、経済的余裕がなければ、潤わないと思う。
http://promotion.yahoo.co.jp/charger/200809/contents03/vol23_06.php
昨日、友人の結婚式に行って来た。
ぼくの中で、結婚式といえば、家族から娘を出すという儀式で、それはつまり小津なのである。
そんなわけで、結婚式では、どんなドラマが見られるのか、と期待していたが、どうも、結婚というものが家族の離別を表すもの、という関係は古すぎるようで、しんみりとするようなものでもなかった。
ただ、やはり娘さんの、乳児から今までの写真を振り返り、父の姿をそこに見出すと、思わず胸がざわつくような気持ちがした。
誠にめでたい気分で、家に帰る途中にこう思った。
よし、小津を見よう。
そして、今日近所のTSUTAYAで借りてきた。
観ている途中、思わず悶えてしまった。
あぁ、小津の映画は中毒性があまりにも高い。
小津の世界に入り込むと、台詞、カットから役者の動きや風景、全てが「タマラナイ」のだ。
そこにあるのは、まさしく日常の家族。
描かれているのは、特別な日常ではない。
日常の中の特別な日々。
そして、家族の中の個人ではない。
個人が織り成す家族という模様なのだ。(*)
そして、全てを統べるのは、親父。
「欲をだしちゃいけないよ。」と言って、今が一番良い、と肯定的に全てを清算する。
「みんなが心配してるからなんだよ。」と、家族の不和を、個人の思いやりから起こるものと、言語化する。
散歩の途中にふと、空を見上げる。
もう最高！身悶えせずにはいられない！
日常の中の特別な風景だからこそ、話は娘の嫁入りに収斂されていく。
家族というものがたりの中で、一番のドラマは、息子の出世であるわけがない。娘の喪失なのだ。
映画では珍しく、小津の映画は、人が死なない。
なぜなら、日常でそうしょっちゅう人が死ぬわけはないからだ。
日常に於ける「人の死」というものは、ただの喪失であることが多く、それはエッジとしての「始まり」を持たない。
日常を描くことの顕著な例は、映像の中にある。
台所で、紀子と義姉が話をし、紀子が二階へ上がる。
カメラは、主役の紀子へは追わない。
そのまま、義姉がいる台所を写している。特に、これといった変化もなく！
つまり、この映画は、紀子の嫁入りがメーン・テーマなのであるが、紀子個人をテーマとした映画ではないのである。
あくまでも、家庭を撮影するからこそ、日常を撮影するからこそ、動作を追わないのだ。
日常は、事件がメーンではなく、事件をエッジとして、それ以前と以降の静的な時間が主要部位なわけだ。
だからこそ、嫁入りは、また新たな始まりであり、嫁入り後に映し出される日常は、紀子ではなく親父夫婦なわけだ。
そして、また、台所の裸電球を消した後に、ぼうっと台所の窓が明るくなる仕掛けとかも憎い！
よく凝ってるなぁ、って。
紀子、兄、亡くなった兄の世代と、親の世代、子供の世代が、それぞれの世代で集まり、そしてお互いの間にやりとりがあるところの描き方も、もう唸ってしまうほど見事。
小津の映画を見ていて思うこと、ってキャラクターが記号的だなぁ、って感じることがある。
カメラの三脚の高さとかレンズの焦点距離とかも、ほとんど換えなかった、と聞いたことがある。
また、カメラワークも機械的と思えるくらい、大体決まっている。
役者が話すときは、正面から撮り、家の中や、通りなどでは、遠い低い位置からそっと映し出す。
これも、決まりきっていて、保守的な感じがしていた。
でも、今回見て思った。
キャラクターが記号的なわけではなく、日常の個人が話す言葉というのは、聊か機械的で、性格も型にはまっているというのが、日常的なわけ。
カメラワークも中毒性があって、小津を観るときは、もうこのカメラの位置・高さ以外考えられなくなってしまった。
日常というものは、誠に月並みなものだ。
しかし、日常の模様をよくよく見れば、やはりそれは、ドラマが沢山編みこまれている生地になってるわけですね。
1951年の作品。50年以上も前だが、やっぱり人間は変わっていない、と思った。
変わったのは、家族の形や言葉、そして風景。
それは、表層かも知れない。
「やっぱり人間って面白い！」とも思うが、生活は表層の部分で営まれていることも忘れてはいけない、とも思う。
どっちかではなく、やっぱりバランスね。
紀子の、結婚を決めた理由を友人に話す台詞は、良いなぁって思いました。
「探していたら、目の前にあった」そして「あの人とだったら、幸せになれる、とすーっと考えられた」。
それを理解できない友人、そして家族。
幸せは、本当にパーソナルなものでしかない。
そして、こういう映画って、とてもパーソナルな感動を呼び起こしますね。
観る人によって、感動するシーンが違う、という。それだけ、色んなものがたりが織り込まれている。
とは言え、MVPは親父です。もう、親父最高！親父の所作にいちいち震えます。
あと、どうでも良いことなんですが、専務の人柄について。
紀子の友人が、紀子の縁談について話をし、紀子がどうも乗り気でないことを言うと、専務（紀子の上司）は、「変態（レズ）なんじゃないのか？」と言います。
そして、「色々と教えてやれよ」と言い、下品に笑います。
その後、一緒に寿司でも食べようと言い、お前は「海苔巻き」は好きか？と聞き、再び下卑た笑いを大声でします。
（台詞）
なんとも、ゾッとする感じで、今の映画では、どう考えたって卑劣きわまるセクハラ上司にされるでしょう。
映画のほんわかとしたムードの中でなんとも違和感のあるキャラクターです。
もうひとつ、最後、お別れの挨拶で、紀子と専務が話している場面。
最後にご飯でも食べよう、と言うと、弱いトーンで、「今日はちょっと…」と紀子が言います。
観ていて、「最後なのに、なんで？」とか思っていると、専務は「それは残念だ。」と、理由も聞かず、別れを悲しみます。
この、独特のさっぱり感は、いかにも小津っぽくて好きです。
ついつい、理由を聞きたくなってしまうのは野暮ったくてしょうがないですね。
専務、やらしいサラリーマン、空気の読める男。こりゃ若くて専務になるわ、とか思う。
先日内田樹のブログに面白い文章があったので、引用をしてこの記事を締めたいと思います。
*個人ではなく家族を描くというのは、「ゴッド・ファーザー」が個人の抗争やドン・コルレオーネを描いているのではなく、とあるマフィアの日常を描いているのと同じ。
同じ日常でも、ハードボイルドすぎるわな。ちょｗｗｗコッポラｗｗｗｗって感じか。
ぼくの中で、結婚式といえば、家族から娘を出すという儀式で、それはつまり小津なのである。
そんなわけで、結婚式では、どんなドラマが見られるのか、と期待していたが、どうも、結婚というものが家族の離別を表すもの、という関係は古すぎるようで、しんみりとするようなものでもなかった。
ただ、やはり娘さんの、乳児から今までの写真を振り返り、父の姿をそこに見出すと、思わず胸がざわつくような気持ちがした。
誠にめでたい気分で、家に帰る途中にこう思った。
よし、小津を見よう。
そして、今日近所のTSUTAYAで借りてきた。
 | 麦秋 (2005/08/27) 原節子笠智衆 商品詳細を見る |
観ている途中、思わず悶えてしまった。
あぁ、小津の映画は中毒性があまりにも高い。
小津の世界に入り込むと、台詞、カットから役者の動きや風景、全てが「タマラナイ」のだ。
そこにあるのは、まさしく日常の家族。
描かれているのは、特別な日常ではない。
日常の中の特別な日々。
そして、家族の中の個人ではない。
個人が織り成す家族という模様なのだ。(*)
そして、全てを統べるのは、親父。
「欲をだしちゃいけないよ。」と言って、今が一番良い、と肯定的に全てを清算する。
「みんなが心配してるからなんだよ。」と、家族の不和を、個人の思いやりから起こるものと、言語化する。
散歩の途中にふと、空を見上げる。
もう最高！身悶えせずにはいられない！
日常の中の特別な風景だからこそ、話は娘の嫁入りに収斂されていく。
家族というものがたりの中で、一番のドラマは、息子の出世であるわけがない。娘の喪失なのだ。
映画では珍しく、小津の映画は、人が死なない。
なぜなら、日常でそうしょっちゅう人が死ぬわけはないからだ。
日常に於ける「人の死」というものは、ただの喪失であることが多く、それはエッジとしての「始まり」を持たない。
日常を描くことの顕著な例は、映像の中にある。
台所で、紀子と義姉が話をし、紀子が二階へ上がる。
カメラは、主役の紀子へは追わない。
そのまま、義姉がいる台所を写している。特に、これといった変化もなく！
つまり、この映画は、紀子の嫁入りがメーン・テーマなのであるが、紀子個人をテーマとした映画ではないのである。
あくまでも、家庭を撮影するからこそ、日常を撮影するからこそ、動作を追わないのだ。
日常は、事件がメーンではなく、事件をエッジとして、それ以前と以降の静的な時間が主要部位なわけだ。
だからこそ、嫁入りは、また新たな始まりであり、嫁入り後に映し出される日常は、紀子ではなく親父夫婦なわけだ。
そして、また、台所の裸電球を消した後に、ぼうっと台所の窓が明るくなる仕掛けとかも憎い！
よく凝ってるなぁ、って。
紀子、兄、亡くなった兄の世代と、親の世代、子供の世代が、それぞれの世代で集まり、そしてお互いの間にやりとりがあるところの描き方も、もう唸ってしまうほど見事。
小津の映画を見ていて思うこと、ってキャラクターが記号的だなぁ、って感じることがある。
カメラの三脚の高さとかレンズの焦点距離とかも、ほとんど換えなかった、と聞いたことがある。
また、カメラワークも機械的と思えるくらい、大体決まっている。
役者が話すときは、正面から撮り、家の中や、通りなどでは、遠い低い位置からそっと映し出す。
これも、決まりきっていて、保守的な感じがしていた。
でも、今回見て思った。
キャラクターが記号的なわけではなく、日常の個人が話す言葉というのは、聊か機械的で、性格も型にはまっているというのが、日常的なわけ。
カメラワークも中毒性があって、小津を観るときは、もうこのカメラの位置・高さ以外考えられなくなってしまった。
日常というものは、誠に月並みなものだ。
しかし、日常の模様をよくよく見れば、やはりそれは、ドラマが沢山編みこまれている生地になってるわけですね。
1951年の作品。50年以上も前だが、やっぱり人間は変わっていない、と思った。
変わったのは、家族の形や言葉、そして風景。
それは、表層かも知れない。
「やっぱり人間って面白い！」とも思うが、生活は表層の部分で営まれていることも忘れてはいけない、とも思う。
どっちかではなく、やっぱりバランスね。
紀子の、結婚を決めた理由を友人に話す台詞は、良いなぁって思いました。
「探していたら、目の前にあった」そして「あの人とだったら、幸せになれる、とすーっと考えられた」。
それを理解できない友人、そして家族。
幸せは、本当にパーソナルなものでしかない。
そして、こういう映画って、とてもパーソナルな感動を呼び起こしますね。
観る人によって、感動するシーンが違う、という。それだけ、色んなものがたりが織り込まれている。
とは言え、MVPは親父です。もう、親父最高！親父の所作にいちいち震えます。
あと、どうでも良いことなんですが、専務の人柄について。
紀子の友人が、紀子の縁談について話をし、紀子がどうも乗り気でないことを言うと、専務（紀子の上司）は、「変態（レズ）なんじゃないのか？」と言います。
そして、「色々と教えてやれよ」と言い、下品に笑います。
その後、一緒に寿司でも食べようと言い、お前は「海苔巻き」は好きか？と聞き、再び下卑た笑いを大声でします。
（台詞）
なんとも、ゾッとする感じで、今の映画では、どう考えたって卑劣きわまるセクハラ上司にされるでしょう。
映画のほんわかとしたムードの中でなんとも違和感のあるキャラクターです。
もうひとつ、最後、お別れの挨拶で、紀子と専務が話している場面。
最後にご飯でも食べよう、と言うと、弱いトーンで、「今日はちょっと…」と紀子が言います。
観ていて、「最後なのに、なんで？」とか思っていると、専務は「それは残念だ。」と、理由も聞かず、別れを悲しみます。
この、独特のさっぱり感は、いかにも小津っぽくて好きです。
ついつい、理由を聞きたくなってしまうのは野暮ったくてしょうがないですね。
専務、やらしいサラリーマン、空気の読める男。こりゃ若くて専務になるわ、とか思う。
先日内田樹のブログに面白い文章があったので、引用をしてこの記事を締めたいと思います。
小津の映画を見るのは、フランスから帰って最初に行う儀式のようなものである。
何年か前、ほんとうに疲れて帰国したとき、芦屋の家でひとりでウイスキーの水割りを手に『秋刀魚の味』を見て、「日本に生まれてほんとうによかった」と思った。
政治家諸君のうちには「愛国心の涵養」ということをうるさく主張している方がおられるようだが、それなら小津安二郎の映画全作を義務教育の「道徳」の時間に鑑賞することをご提案したい。
人間としての成熟もあわせて達成されるであろう。
小学生たちが小津に嗜癖して、廊下で行き交うときに「や、ごきげんよう」「ふふ、どちらまで」「ちょいと西銀座まで。ねえ、のりちゃん、君いくつになった」「ま、いやなおじさま」などと言い交わす風景を想像すると心が温まるようである。
(引用元)
*個人ではなく家族を描くというのは、「ゴッド・ファーザー」が個人の抗争やドン・コルレオーネを描いているのではなく、とあるマフィアの日常を描いているのと同じ。
同じ日常でも、ハードボイルドすぎるわな。ちょｗｗｗコッポラｗｗｗｗって感じか。
新幹線にて帰省の途中に、eastern youthの「夏の日の午後」を聞いていて、思ったことを書く。
ぼんやりとしていて、根拠もあるわけではないが、一つの踏み台になる可能性もなくもないので、書き記しておく。
とりあえず、基本情報として、eastern youthは、北海道出身のjapanese alternative rock bandで、躍動するバンド･サウンド、泣き叫ぶような歌い方、叙情的で"文学的"な歌詞が特徴的で、唯一無二といったバンドである。
そして、ボーカルの吉野寿は、やはり文学好きで、書く詩は、日本的であり、風景の描写と心象描写、さらに、メロディーとの絡み合いから、描き出される「音像」というものには、こだわりがあり、激しいリズムに対して、感傷的な歌詞は、胸を掻き毟りたくなるような切なさを思い起こさせる。
ついでに、坊主頭と鼈甲の眼鏡から、顔は遠藤周三を思い起こされる。
まぁ、これ以上の情報は、各自wikiとかで見てって感じ。
つまり、ぼくのイメージでは、吉野の書く歌詞というものに、文学でしかも純文学の匂いを感じていた。
そして、純文学でも、より日本的なもの、日本固有の言葉にこだわりがあるのではないかな、とうっすらながら感じていた。
例えば、ビデオ"その残像と残響音"とかアルバム"旅路ニ季節ガ燃エ落チル"とかからも、その雰囲気があったように感じる。（すくなくとも、高校生のぼくからしたら）
でも、歌詞を聞いていて、ふと思った。
日本の純文学的というよりも、西洋文学を翻訳した文学的な匂いがする、と。
例えば、"心悪しき人"や"罪"という言葉は、日本独特の考え方というよりはキリスト教圏の、概念のような気がする。
つまり、"罪"が犯罪などの意味を表しているのではなく、人間誰しもが持って生きている"罪の意識"のようなものを表しているように感じる。
また、"真夏の太陽は罪を溶かして"あたりは、なんとなくカミュ的な世界観が、日本の湿度の高い夏に舞い降りたような感じを醸し出す。（あくまでも、ぼくは）
サビでは、"蝉時雨"なんて言う日本的な言葉と"午後の光"なんて西洋の貴婦人みたいな言葉がくっついている。
なんとも、チグハグな感じがするが、そのチグハグさがまさに、翻訳という感じである。
前に、エガPと話していて、日本語で「脆弱性」って言う言葉は、ほとんど使われない言葉だったんだけど、コンピュータウィルスに対する英語の"vulnerability"の訳語として、広く使われるようになった、と。
今では、その高尚な響きから、よく耳にする言葉となりました、と。
つまりだ。
振り返れば振り返るだけ、キリが無く歴史ってのは続いているものなんだろうけど、ある時点ですっぱりと日本の歴史を切り落として
その断面以前のものを、まず「日本的なもの」として判断する。
そして、その断面における文化の中で、「日本的なもの」と「非日本的なもの」に分ける。
けれども、流動する文化の中で、そのように分けることの出来た「日本的なもの」と「非日本的なもの」は次第に区別が付かなくなり、
次第にそれらは、「亜日本的なもの」と「非日本的なもの」と分けられる。
結局、「日本的なもの」って何？ってなるわけです。
例えば、日常的な言葉ではなかった「脆弱性」なんて言葉が、「非日本的な」理由から、多用されるようになり、「非日本的な」歌詞を歌っているグループが、純文学的な歌詞と謳われたり。
例の起源は、西欧からのものだったから、その差異が分かりやすいものであったが、例えば、中国とか朝鮮とかからだったら、もはや区別は付かないのではないかな、って思います。
知らぬ間に、認識というものは、摩り替わるものだと、改めて感じた。
それは、別に恐れるものではないが、「日本的なもの」と「非日本的なもの」の考え方に囚われるなんて、非常に馬鹿馬鹿しいものだ、なんてのが、ひとつの帰結なのだが。
いいのか、こんな帰結で。
何か、思うことあって、書き始めた記事なんだが、書いていて、何を思っていたのか、忘れてしまった。残念。
（追記）
いや、翻訳文化というか、翻訳から生み出された文化というものに、注目するべきというか…
翻訳という作業から、西欧文化が日本文化を通して亜日本文化が生まれ、それが、日本社会の中で定着している、という文化の側面も必ずある。
やはり、文化というものは、非常に複雑で、様々な要素が絡み合っていて、そのひとつひとつを紐解くだけで、大量の情報が零れ落ちてくるものだと思う。
だからこそ感動的なわけだし、面白いし、興味を起こさせるのだ。
まとめて、文化だと見てしまえば、面白くもなく、すぐに見飽きてしまう。
翻訳文化、というか、なんでしょう、クレオール的な、文化の融合に、少し注目してみたいな、という思いだったのかも、知れない。
「夏の日の午後」について、検索していたら、岡村孝子の同名の曲があったんですね。
たしか、吉野はアイドル好きやったんやないかな…としたら、この曲になんらかの影響があるとして、歌詞にも影響を与えているのかも･･･
う〜ん、言及しづらい。
ついでに、eastern youthは、ガガガSPやサンボマスターなどの影響を与えたなんて言われます。歌い方だけで言ってないか？とか思うけど。
まぁ、eastern youthとかbloodthirsty butchersとかが与えた影響は、そりゃ計り知れないでしょうね。
さらについでに、"文学的"って言葉は何なんでしょうね。
便利だから多用したけど、意味のない言葉というか、雰囲気でしか言及できない言葉だなぁ、と思います。
定義したら、スカスカになりそうな言葉の一つ。
ぼんやりとしていて、根拠もあるわけではないが、一つの踏み台になる可能性もなくもないので、書き記しておく。
作詩：吉野寿
神様
あなたは何でも知っていて
心悪しき人を打ち負かすんだろう
でも真夏の太陽は罪を溶かして
見えないが確かに背中にそれを焼き付ける
蝉時雨と午後の光
まだ生きて果てぬ この身なら
罪も悪も我と共に在りて
（後略）
とりあえず、基本情報として、eastern youthは、北海道出身のjapanese alternative rock bandで、躍動するバンド･サウンド、泣き叫ぶような歌い方、叙情的で"文学的"な歌詞が特徴的で、唯一無二といったバンドである。
そして、ボーカルの吉野寿は、やはり文学好きで、書く詩は、日本的であり、風景の描写と心象描写、さらに、メロディーとの絡み合いから、描き出される「音像」というものには、こだわりがあり、激しいリズムに対して、感傷的な歌詞は、胸を掻き毟りたくなるような切なさを思い起こさせる。
ついでに、坊主頭と鼈甲の眼鏡から、顔は遠藤周三を思い起こされる。
まぁ、これ以上の情報は、各自wikiとかで見てって感じ。
つまり、ぼくのイメージでは、吉野の書く歌詞というものに、文学でしかも純文学の匂いを感じていた。
そして、純文学でも、より日本的なもの、日本固有の言葉にこだわりがあるのではないかな、とうっすらながら感じていた。
例えば、ビデオ"その残像と残響音"とかアルバム"旅路ニ季節ガ燃エ落チル"とかからも、その雰囲気があったように感じる。（すくなくとも、高校生のぼくからしたら）
でも、歌詞を聞いていて、ふと思った。
日本の純文学的というよりも、西洋文学を翻訳した文学的な匂いがする、と。
例えば、"心悪しき人"や"罪"という言葉は、日本独特の考え方というよりはキリスト教圏の、概念のような気がする。
つまり、"罪"が犯罪などの意味を表しているのではなく、人間誰しもが持って生きている"罪の意識"のようなものを表しているように感じる。
また、"真夏の太陽は罪を溶かして"あたりは、なんとなくカミュ的な世界観が、日本の湿度の高い夏に舞い降りたような感じを醸し出す。（あくまでも、ぼくは）
サビでは、"蝉時雨"なんて言う日本的な言葉と"午後の光"なんて西洋の貴婦人みたいな言葉がくっついている。
なんとも、チグハグな感じがするが、そのチグハグさがまさに、翻訳という感じである。
前に、エガPと話していて、日本語で「脆弱性」って言う言葉は、ほとんど使われない言葉だったんだけど、コンピュータウィルスに対する英語の"vulnerability"の訳語として、広く使われるようになった、と。
今では、その高尚な響きから、よく耳にする言葉となりました、と。
つまりだ。
振り返れば振り返るだけ、キリが無く歴史ってのは続いているものなんだろうけど、ある時点ですっぱりと日本の歴史を切り落として
その断面以前のものを、まず「日本的なもの」として判断する。
そして、その断面における文化の中で、「日本的なもの」と「非日本的なもの」に分ける。
けれども、流動する文化の中で、そのように分けることの出来た「日本的なもの」と「非日本的なもの」は次第に区別が付かなくなり、
次第にそれらは、「亜日本的なもの」と「非日本的なもの」と分けられる。
結局、「日本的なもの」って何？ってなるわけです。
例えば、日常的な言葉ではなかった「脆弱性」なんて言葉が、「非日本的な」理由から、多用されるようになり、「非日本的な」歌詞を歌っているグループが、純文学的な歌詞と謳われたり。
例の起源は、西欧からのものだったから、その差異が分かりやすいものであったが、例えば、中国とか朝鮮とかからだったら、もはや区別は付かないのではないかな、って思います。
知らぬ間に、認識というものは、摩り替わるものだと、改めて感じた。
それは、別に恐れるものではないが、「日本的なもの」と「非日本的なもの」の考え方に囚われるなんて、非常に馬鹿馬鹿しいものだ、なんてのが、ひとつの帰結なのだが。
いいのか、こんな帰結で。
何か、思うことあって、書き始めた記事なんだが、書いていて、何を思っていたのか、忘れてしまった。残念。
（追記）
いや、翻訳文化というか、翻訳から生み出された文化というものに、注目するべきというか…
翻訳という作業から、西欧文化が日本文化を通して亜日本文化が生まれ、それが、日本社会の中で定着している、という文化の側面も必ずある。
やはり、文化というものは、非常に複雑で、様々な要素が絡み合っていて、そのひとつひとつを紐解くだけで、大量の情報が零れ落ちてくるものだと思う。
だからこそ感動的なわけだし、面白いし、興味を起こさせるのだ。
まとめて、文化だと見てしまえば、面白くもなく、すぐに見飽きてしまう。
翻訳文化、というか、なんでしょう、クレオール的な、文化の融合に、少し注目してみたいな、という思いだったのかも、知れない。
「夏の日の午後」について、検索していたら、岡村孝子の同名の曲があったんですね。
たしか、吉野はアイドル好きやったんやないかな…としたら、この曲になんらかの影響があるとして、歌詞にも影響を与えているのかも･･･
う〜ん、言及しづらい。
ついでに、eastern youthは、ガガガSPやサンボマスターなどの影響を与えたなんて言われます。歌い方だけで言ってないか？とか思うけど。
まぁ、eastern youthとかbloodthirsty butchersとかが与えた影響は、そりゃ計り知れないでしょうね。
さらについでに、"文学的"って言葉は何なんでしょうね。
便利だから多用したけど、意味のない言葉というか、雰囲気でしか言及できない言葉だなぁ、と思います。
定義したら、スカスカになりそうな言葉の一つ。
昔、タブラを習っている頃、先生から、タブラは報われない楽器だよ、ととくとくと教えていただいた。
第一、インドの楽器を日本で演奏してどうするの？ってこと。
さらに、楽器として、音が小さい。
あと、インド音楽の特徴でもあるが、演奏の特徴として、アンサンブルを考慮されていない。
基本的に、ソロが一番光る楽器なのである。
だから、DCPRGを聴くと、なんとなく、う〜ん、と考えてしまう。
あるとき、shaktiの再結成ライブのDVDを見ながら、話していた。
インドの楽器演奏者には変態が多いが、中でも一番の変態は壺でしょ！って。
この動画を見ていただきたい。
ghatamって楽器（ウドゥ・ドラムに近い）なんですが、見ての通り、ただの壺。
タブラ教室に、置いてあったので、何度か触らせてもらったが、本当に、でかい素焼きの厚手の壺。
一分も叩くと、手が痛くなる。
ついでに、お近くの壺を叩いてみると分かると思うが、普通に叩いても音が小さい。
はっきり言って、大きい音を出す技術なんてありません。ただひたすら強く叩く。強く叩けば、手もめちゃめちゃ痛い。
ただの壺だから、音色の変化も乏しい。（ただ、ベンドする低音はかっこよいけど）
叩けば叩くほど、手が痛い！
音が小さい。限られた楽器としか合奏できない！
つまり、こんな楽器を選んでしまった人は、苦行を強いられるわけですね。
動画で頻発する手の付け根あたりで、思いっきり叩くのなんて、多分めちゃめちゃ痛いんだと思います。
大変だわなぁ、と思いながら見ると、噴飯ものというか、なんというか。動画が二度楽しめますよ。
インド人、変態やわぁ。
ついでに、南インドのタブラ、カンジーラ、ガタムの演奏は、めちゃめちゃかっこよいです。
かっこよいと思っても、買わないように。きっと、インテリアにもならない、ただの壺にしかなりませんから＾＾
でもガタムソロの動画は、マイクが、えらい低音とかちっちゃい音とかを拾うもんで、めちゃめちゃかっこよく聴こえますね。多分、実用的ではないんでしょうが。
第一、インドの楽器を日本で演奏してどうするの？ってこと。
さらに、楽器として、音が小さい。
あと、インド音楽の特徴でもあるが、演奏の特徴として、アンサンブルを考慮されていない。
基本的に、ソロが一番光る楽器なのである。
だから、DCPRGを聴くと、なんとなく、う〜ん、と考えてしまう。
あるとき、shaktiの再結成ライブのDVDを見ながら、話していた。
インドの楽器演奏者には変態が多いが、中でも一番の変態は壺でしょ！って。
この動画を見ていただきたい。
ghatamって楽器（ウドゥ・ドラムに近い）なんですが、見ての通り、ただの壺。
タブラ教室に、置いてあったので、何度か触らせてもらったが、本当に、でかい素焼きの厚手の壺。
一分も叩くと、手が痛くなる。
ついでに、お近くの壺を叩いてみると分かると思うが、普通に叩いても音が小さい。
はっきり言って、大きい音を出す技術なんてありません。ただひたすら強く叩く。強く叩けば、手もめちゃめちゃ痛い。
ただの壺だから、音色の変化も乏しい。（ただ、ベンドする低音はかっこよいけど）
叩けば叩くほど、手が痛い！
音が小さい。限られた楽器としか合奏できない！
つまり、こんな楽器を選んでしまった人は、苦行を強いられるわけですね。
動画で頻発する手の付け根あたりで、思いっきり叩くのなんて、多分めちゃめちゃ痛いんだと思います。
大変だわなぁ、と思いながら見ると、噴飯ものというか、なんというか。動画が二度楽しめますよ。
インド人、変態やわぁ。
ついでに、南インドのタブラ、カンジーラ、ガタムの演奏は、めちゃめちゃかっこよいです。
かっこよいと思っても、買わないように。きっと、インテリアにもならない、ただの壺にしかなりませんから＾＾
でもガタムソロの動画は、マイクが、えらい低音とかちっちゃい音とかを拾うもんで、めちゃめちゃかっこよく聴こえますね。多分、実用的ではないんでしょうが。